Este es probablemente el recuento más tardío que has leído acerca de “Lo mejor del 2010″, o “Mis favoritos del 2010″. Me inclino por la segunda opción, la primera es de una pedantería asombrosa.

¿Fue interesante este año? Por supuesto que sí, igual que todos los demás. No fue un 2007 pero soy un hombre con estándares medio-bajos, así que de todas formas estoy contento. Una de las cosas que he ido notando en el medio es que se mantiene una especie de apertura en cuanto a temas, pero de una manera muy subterránea, muy diferente a cómo fue en los 90′s, donde se llegó a pensar y crear animu diseñado especialmente para mentes occidentales. ¿Que el anime de antes era mejor? Era diferente. Viudas de Evangelion y Bebop, pueden retirarse. O mejor quédense ;_;.

Ahora, 5 series del 2010 que conquistaron mi corazón, y un par que conquistó mi mente también. Sin orden alguno, a excepción del absoluto favorito, ahí va.

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Si alguien supiera la source...

· Panty & Stocking with Garterbelt:

La última creación del nuevo Gainax, es otro paso en el camino que por primera vez se marcócon el que me gusta considerar como el primer animu del siglo XXI, FLCL.

Incluyendo marcadas influencias de series como Re: Cutie Honey y Dirty Pair, y habiendo ya probado el estilo en Dead Leaves, inspirada y locuaz crónica cyberpunk, Hiroyuki Imaishi y la tropa de animadores a quiénes conduce (entre los cuales se cuentan algunos de los nombres más reconocibles en la industria, como You Yoshinari, Sushio o el maestro Osamu Kobayashi) se dejan llevar y dan vida una patética, maloliente, estúpida, grosera y denigrante serie acerca de un par de chicas cuya única defensa ante los demonios que azotan la ciudad, es su ropa interior.

Salida de uno de los pocos estudios que aún crean sin pensar demasiado en demográficas, Panty & Stocking with Garterbelt es una invitación a sentarte con la mente en blanco y ver pasar las imágenes. Es suciedad que limpia el espíritu, un antídoto para la amargura que sólo funciona si no eres un amargado.

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Si, claro. :3

· Soredemo Machi wa Mawatteiru (disculpa… ¿qué?) (SoreMachi)

Sin dudas veo a SoreMachi como lo que más me ha sorprendido el año recién pasado. A tal punto que ha terminado en un post como éste, considerando que tengo problemas con la comedia japonesa.

Entre explicar SoreMachi y ver SoreMachi con tus propios ojos hay una enorme, pero enorme diferencia. Uno la explicaría más o menos así: “Un par de chicas, una de ellas especialmente tonta, trabajan después de las horas de escuela en un maid cafe. Entonces funny shit happens”. Es increíble lo mucho que puede hacer SHAFT adaptando obras que en apariencia tratan acerca de nada, y es allí cuando el estudio libera todo su potencial. Desde el estilo cinematográfico de la presentación, pasando por la maestría en la genuflexión y lo sincero del humor, SoreMachi obtuvo el tratamiento ideal por parte de Shinbo y Cía.

SoreMachi es muy ligera de contenido, pero cada episodio encierra sutiles pero interesantes lecciones acerca de lo humano y lo divino. Es una clásica comedia situacional bien hecha, y se ganó esta mención de manera definitiva por uno de los mejores finales que haya visto este servidor.

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2 Tesalonicenses 3:10. Debo ser el único que se rió con eso.

· Kuragehime

Hace un buen rato ya que MTV y un puñado de series saturaron el mercado con historias estilo “antes éramos unos horribles nerds pero ahora somos geniales”, “baww, nos maltratan por ser diferentes :’((((” y/o “ser geek es como ser nerd pero re cool, oye”. Después apareció Kuragehime, y FUCK YES.

A pesar de que debido a la corta duración y un final más que abrupto parece más un “trailer” del manga que una serie autosustentable, Kuragehime se desliza con eficiencia entre temas tan complejos como el sentido de lo bello, la posición que adoptamos frente a los demás y la línea que separa el bienestar personal de la vanidad. Dos protagonistas que en un principio parecen disímiles, son solo dos consecuencias del mismo hecho trágico: la temprana partida de sus madres, la cual ambos afrontaron con actitudes opuestas.

También contiene a la mejor mascota, el peor espionaje, el mejor chofer, el peor juego de palabras (ore/olé D:) y LOLpolíticos.

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· House of Five Leaves (Sarai-ya Goyou)

De esta ya había escrito. Luego me tiré de cabeza a ver Ristorante Paradiso, que es de la misma autora original y es igual de lenta, pero a diferencia de House of Five Leaves, se me está haciendo un poco pesada.

House of Five Leaves es una historia de samurai que no va de un maestro espadachín que busca convertirse en el mejor, vengar a alguien en una cruzada sangrienta, derrocar a un gobierno u obtener la súper increíble Espada Solar del Emisario de la Oscuridad y la Destrucción +10 con 4 slots y bono de 5 a tus saving throws. Es de un tipo normal que se quedó sin señor y sólo quiere buscar como ganarse la vida. En eso conocerá a tipos, que entre otras cosas, le ayudarán a superar uno que otro defectillo y le harán ver las cosas de otro modo.

Y me voy a quedar corto por ahora, hasta la review completa, que lleva ahí en los borradores aplastando el culo varios meses.

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Y ahora lo más predecible, mi favorita del año pasado, de la cual ya escribí un poco aquí.

Escribiría hasta el cansancio sobre como, partiendo de la estructura, pasando por el carácter introvertido de la narración y la adición de la comedia de todos colores con precisión quirúrgica. O tal vez podría simplemente intentar expresar lo increíble que me sentí al terminar el último episodio. Como diría aquél niñito que juega a la pelota en la Isla Koholint: “El concepto hace que la cabeza duela”.

En un tour de force expresivo, sórdido y a la vez esperanzador, todos los halagos más elocuentes que pueda escribir van hacia The Tatami Galaxy. Mi favorito del 2010.

Menciones honrosas: Summer Wars, Giant Killing.

Descanse en paz, Satoshi Kon.

Hoy es un día triste. No sólo es un día triste para el anime, tampoco lo es exclusivamente para la animación. Ni siquiera podríamos englobarlo como una fecha negra para el cine. La humanidad ha perdido un trozo de sí misma. Satoshi Kon, director de obras como Paranoia Agent, Memories, Paprika, Perfect Blue, Millenium Actress y Tokyo Godfathers, ha fallecido el día de ayer a la edad de 46 años. Demasiado pronto.

Se dice que cada artista, sumerge primero la brocha en el interior de su alma, y luego imprime su propia naturaleza en la pintura. Si vemos de ese modo la obra que Satoshi Kon ha dejado atrás en su partida, podemos llegar a la conclusión de que siempre demostró, a través de su “amable inconformidad“, una profunda y sincera preocupación por la naturaleza del humano, por explorar sus límites y mostrarnos sus debilidades y fortalezas.

The stronger the imagination, the greater the artist’s impression on the audience.

Navegando en las fronteras de la realidad, creó alegorías poderosas sobre como funciona la persona, tanto en conjunto como internamente. Y esto son conclusiones personales, pero por ejemplo, en Perfect Blue, enfrentó a la mente con sí misma, contra sus propios preceptos y valores, el llamado mindset. Paprika sigue una línea similar, a través de un macabro juego de sueños, pensamientos y las relaciones entre las psiques de cada personaje.

Otras de sus obras, como Paranoia Agent y Tokyo Godfathers, salen del ámbito de las relaciones interpersonales y centran su análisis en el concepto y funcionamiento de la sociedad. Personas que ríen al estar rodeadas de miseria, crímenes cometidos por el inconsciente colectivo, una visión sobre los elementos “descartados” de la sociedad. Cada obra de Kon es provocadora y evocativa, expresando mediante realidades superpuestas, sueños e ilusiones una gama inmensa de emociones y pensamientos.

En un género como el anime, siempre tan sobre-definido con sus propias etiquetas, sujeto a ellas, y un fandom siempre abogando por la polarización y particularmente “hipócrita”, Kon siempre mantuvo una posición madura, fighting the real enemy diría alguien. En consecuencia, me parece que uno de los mejores homenajes que se le podrían hacer a un creador de esta estirpe, es arrancarle las etiquetas. Porque Kon no merece ser descrito en dos o tres palabras. No merece ser tratado como una especie de estandarte contra las tendencias dominantes en el anime, como punta de lanza de un innecesario y mojigato movimiento “anti-moé“. Tampoco merece ser encasillado como un director incomprensible y pretencioso, como tanto se gusta hacer estos días. Kon jamás buscó con ahínco el realismo en su obra, simplemente sintió que un cierto grado fue requerido para contar sus historias. Asimismo, jamás consideró la fantasía como algo meramente vicioso y negativo. Y llegó a la conclusión de que hay bien y mal en ambos mundos. Merece ser admirado, apreciado, o al menos respetado.

Hay un libro bastante conocido acerca de la obra de Satoshi Kon. Su subtítulo difícilmente podría ser más apropiado: The Illusionist. Dedicando toda su vida a mostrar la realidad a través de espejismos, será su partida el más magnífico de todos. Porque mientras sea recordado como el visionario e increíble creador que fue, se mantendrá vivo por siempre.

Y su partida, será otra ilusión más.

Revenge is a kind of wild justice; which the more a man’s nature runs to the more ought law to weed it out.

~ Francis Bacon, “On Revenge” – 1625.

Hay ocasiones en las cuales el obtuso empecinamiento en buscar la inventiva puede llevar a algunos a su segura perdición. Creativos, y compañías completas tras de ellos, que arriesgan y se dan de bruces contra el suelo. Ante este hecho, es difícil ponerse en los zapatos de un equipo que decide realizar la adaptación de una obra que se ha ganado la denominación de “clásico” por unanimidad.

Una novela tan popular como El Conde de Montecristo ofrecía un reto muy interesante. Podría haber sido una adaptación más literal, empleando el mismo punto de vista que Alejandro Dumas; pero fiel a su propio estilo, GONZO no se conformó con dar un vuelco a la obra original, también mueve el foco de la narración y traslada París 3000 años en el futuro. Sin embargo, la transformación más extraordinaria es la que sufre el mismo Conde, Edmundo Dantés. El equipo dirigido por el notable Mahiro Maeda (Blue Submarine No. 6, Genius Party, The Animatrix) le otorga un nuevo matiz al personaje, infundiendo al Dantés de la novela una serie de influencias de clásicos modernos, trayendo consigo una reinterpretación efectiva y pura del gran Conde. Supongo que en esos detalles se notan las buenas adaptaciones.

Gankutsuou se inicia a mitad de la novela original, siguiéndola fielmente en el momento más desgraciado de Dantés. Sin siquiera saber las causas de su condición, lentamente Dantés se rinde a su destino, hasta que cierto encuentro le dará a su hasta ahora ingenua y apacible personalidad un nuevo ingrediente, tras conocer la identidad de quiénes lo han llevado hasta este desenlace. Dantés está sediento de venganza, y ahora tiene el conocimiento y la riqueza para ejecutarla de una manera magnífica.

La primera diferencia entre el Conde de la novela y el del anime está en su actitud respecto de sus enemigos. Si bien en ambos casos, la ejecución de los planes es extremadamente elegante y a sangre fría, en la novela el Conde se ve a sí mismo con alguien que actúa como agente de la Providencia, considerando su tarea una acción de justicia, mientras que en el anime la venganza sólo es usada como vehículo para la satisfacción del Conde. Así Gankutsuou comienza a delinear su propia representación del personaje.

Si bien el Edmundo Dantés de la obra de Dumas en cierta medida constituye un típico héroe byroniano, esta visión del héroe como un individuo en rebeldía con las leyes de la sociedad, ermitaño, especialmente seductor y dotado de gran inteligencia, es brutalmente magnificada en el anime, a fin de (además de hacerlo más atractivo para la audiencia) resaltar el hecho de que simplemente es un hombre que, a pesar del enorme poder que es capaz de ejercer, está fragmentado en su interior.

Gankutsuou toma la obra original, la instala en un setting futurista y le da a Dantés un aspecto mucho más cercano a la ficción Gótica, influencia que deriva de algunos elementos sobrenaturales prominentes en la trama del anime. Siguiendo en esta línea, el Dantés de Gankutsuou es mucho más inestable emocionalmente, pero a la vez muestra inmensa arrogancia y seguridad, es un Dantés más magnético, y porque no decirlo, mucho más sexual.

En cuanto a su relación con el resto de personajes, una de las adiciones más notorias que realiza el anime respecto de la obra original es convertir a un personaje secundario como Albert de Morcerf en un protagonista, y además como el personaje desde cuyo punto de vista se desarrolla la historia, lo que da origen a un eje de la trama que no figura en la obra de Dumas. Albert será un observador permanente y, dada su relación con el conde, muchas veces privilegiado de algunos hechos importantes, y a medida que la venganza de Dantés se va consumando, Albert tendrá que abandonar su cómodo estado de inmadurez y enfrentar cosas para las cuales no está preparado y así aprender a conocerse a sí mismo.

Varios incidentes menores de la novela han sido modificados y/o eliminados, a fin de continuar permeando la psicología del personaje del Conde. Todos estos detalles mencionados a lo largo de estos párrafos van dirigidos a formar un conjunto de características que definen al Conde del anime como un sujeto de intenciones más oscuras, con una actitud más frontal y de acciones más impredecibles.

Como último punto, aquello que le da el título el post no es sino una conclusión personal tras haber leído la obra original y haber visto la adaptación de GONZO.

Si bien no es algo que aparezca explícitamente en la obra original, comparando el elemento sobrenatural que subyace a las motivaciones del Dantés de la novela, con el elemento sobrenatural que da pie a la venganza de Dantés en el anime, es posible llegar a la conclusión de que mientras en la novela, Dantés camina por un empírico sendero de Dios, en Gankutsuou, el Conde ha de transitar por la otra vereda, en el sendero del Diablo.

Y al final, confiar y esperar.

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Lectura complementaria:

· KonekoSensei realiza una interesante semblanza de forma y fondo al estudio GONZO, partiendo por las influencias de sus primeras obras hasta los factores de su declive. No, que aún no está muerto, carajo.

· Entrevista con Mahiro Maeda, con Gankutsuou como tema central.

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En Abril, tras mirar el afiche del bueno de chartfag, decidí ver más de 5 series. Más de 5 series es bastante para mí, así que ya suponía que esto venía cargado de goodness. Por supuesto que cabía la posibilidad de grandes decepciones, pero nah.

A continuación, un recuento con mis favoritos de la temporada recién pasada, en orden más o menos ascendente en términos de satisfacción personal.

No Riku, así no hace un 'Kanchil'

A pesar de ser de la opinión de que SHAFT como estudio recibe un poco más de crédito del que merece, no se puede negar que ha realizado grandes y muchas veces exitosos intentos por forjar una visión particular. O más bien, Akiyuki Shinbou lo ha hecho; y con eso ha logrado realizar adaptaciones que se creían imposibles. Y es que la adaptación de Arakawa Under the Bridge tiene ese extraño sello a-la Sayonara Zetsubou Sensei, el frenético ritmo del gag rápido y la espontaneidad del llamado humor de lo cotidiano.

Kou Ichinomiya es un tipo que ha dedicado su vida a permanecer en la cima, a ser el mejor de su rubro, a formar parte de la élite, bajo una sola consigna: “No dependas de nadie“, un mensaje que está escrito en su mente, y en su corbata. Pero cuando por una desafortunada situación, sus pantalones terminan colgados en el armazón superior de un puente, recibe una ayuda inesperada. Lo normal para Kou en este caso sería pagar su deuda inmediatamente, pero ¿qué sucede si la otra persona no quiere nada a cambio de ese favor?.

Para resumir, Kou decide irse a vivir con la chica que lo salvó, bajo el puente, y pagar su supuesta deuda con ella. Pero resulta que en la ribera del río que cruza este puente, vive gente MUY RARA. Y comienza el show. Arakawa Under the Bridge es una comedia rápida con un toque bizarro, muchos personajes bastante coloridos y ofrece una reflexión ligera sobre temas como el éxito y la riqueza. La de tener, o la de vivir.

Finalizada, 13 episodios, segunda temporada ya anunciada.

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RAINBOW es un drama con ribetes históricos. Tras la Segunda Guerra Mundial, al igual como sucede en todos los países perdedores en cualquier post-guerra, en Japón la gente continúa muriendo, porque pierde las ganas de vivir, al verse rodeada por paisajes desolados y calles sin esperanza.

Es 1955. Siete jóvenes empujados al crimen se reúnen en la celda de una escuela disciplinaria, un lindo eufemismo para una cárcel juvenil. RAINBOW es la historia de la lucha de esos 7 jóvenes, no sólo por salir de prisión, sino también para recuperar su propia alegría. A pesar de que personalmente, considero a los villanos de la serie faltos de toda profundidad e irónicamente, caricaturescos, además de ya estar cansado del bromance entre los protagonistas, creo que la idea subyacente y lo poderoso de la ambientación le dan a RAINBOW un toque distinto. Para bien o para mal, pero distinto. Madhouse a la carga.

Sigue al aire, ni idea cuantos episodios.

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La adaptación del manga futbolero Giant Killing, la cual recae en manos del muchas veces vilipendiado estudio DEEN, se explica a sí misma desde el primer momento.

El barullo del público es ensordecedor. Es la cuarta ronda de la FA Cup, y en el campo de juego se encuentran dos equipos tan disparejos que parece imposible que estén en la misma cancha. Uno es un club profesional, perteneciente a la Premier League. El otro es el Eastham FC, un club amateur de futbolistas part-time. Su delantero es un panadero y sus mediocampistas son un policía y un cocinero. “Pero aquí están, luchando contra los mejores. Un club pequeño tratando de vencer a un rival mucho más fuerte. Es un sueño hecho realidad” comenta un espectador.

Es una historia de David contra Goliat, la búsqueda de ese milagro del fútbol llamado Giant Killing.

La serie comienza cuando, tras su paso como técnico por el Eastham FC, Tatsumi Takeshi decide regresar a Japón, y asume la dirección técnica del equipo que lo vió nacer como jugador, el East Tokyo, el cual se encuentra en una situación más que difícil. Si, el protagonista es el DT. Además de tratar al fútbol desde un enfoque bastante realista dentro de lo que el medio suele ofrecer, Giant Killing tiene una virtud preponderante. Los personajes son, como decirlo, casi avasalladores. Son interesantes y empáticos, y las relaciones entre ellos están llenas de tensión y choques entre egos muy fuertes. Como anime de deportes, Giant Killing está muy por encima de la media.

Sigue al aire, serán 26 episodios.

–o–

Un ronin en Edo. Fácilmente podría ser otra historia sobre héroes y sus hazañas, sobre fabulosos espadachines, o sobre grandes revoluciones, pero no. Si hay una palabra para definir a Manglobe, sería elegante. Sarai-ya Goyou (House of Five Leaves) es una serie muy contemplativa y de lento desarrollo, enfocada mucho más en el desarrollo de los personajes por medio del diálogo en desmedro de la acción tradicional. Es la historia de 5 individuos, y sus circunstancias.

Akitsu Masanosuke en un samurai de gran porte y aspecto imponente, pero debido a su tímida personalidad, no ha podido mantener un empleo estable. Ergo, es un ronin. En eso conoce al misterioso Yaichi, quién le invita a formar parte de su grupo, una banda de secuestradores llamada Las 5 Hojas. Aunque en un principio muy reticente a formar parte de todo esto, Masa-san poco a poco y sin darse cuenta se va internando en la vida y motivaciones de estos, uh, criminales.

Al final, es una historia muy simple, una reflexión sobre ver más allá de la superficie, pero más importante que eso, sobre la influencia del pasado sobre nuestro presente. Con una ambientación visual y sonora simplemente exquisita, Sarai-ya Goyou se siente como acariciar un gato mientras tomas té/café al lado del fuego una fría tarde de viernes. Feels good man. Se viene review.

Finalizada, 12 episodios.

–o–

La oportunidad pende frente a tus ojos FFFF-

Tras esta semblanza, tengo poco que añadir. Tatami Galaxy es un triunfo para la condición humana, y es también un triunfo para la visión creativa de un auténtico genio, como lo es Masaaki Yuasa.

Un muchacho ingresa a la universidad con un enorme saco de ilusiones y prospectos para sí mismo. No mucho tiempo después se da cuenta de que las cosas no van del modo en que él las preveía. En ese momento, la aparición de un personaje caótico y entrañable marca su recursiva existencia dentro de este universo, la cual no avanzará jamás, a menos que el protagonista abandone su propia naturaleza auto-destructiva y prejuiciosa, y tome la oportunidad que tiene en frente. Una realidad por episodio, un universo por episodio.

Intentar resumir Tatami Galaxy es, a final de cuentas, un ejercicio de futilidad. Es una mirada cruel pero maravillosa a la vida en sí, y es un espejo en el que muchos se verán reflejados. Una nueva obra fundamental.

Finalizada, 11 episodios.

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Tras esto, un par de vídeos para la barriada (?)

Arakawa Under the Bridge ED ["Sakasama Bridge" - Suneohair]

House of Five Leaves OP ["Sign of Love" - immi ]

Y eso sería. Lo mejor de todo es que son de temáticas muy distintas, así que es difícil que haya alguien que lea esto y no se sienta atraído/a hacia algo. En caso contrario, estás muerto por dentro y/o es primera vez que lees este blargh. (?)

Dews.

NOTA: Esta es la historia sobre el magnífico enfrentamiento entre el bien y el mal que tiene lugar en la ciudad de Kawasaki.

At first I was like SO EPIC

Sunred, Guerrero Celestial y Superhéroe de las Eras. Florsheim, poderosa y criminal organización liderada por el terrible y legendariamente despiadado General Vamp, cuyo objetivo es la dominación mundial. Estas son las partes que confluyen en esta épica batalla. Cada dia, a cada instante el destino del mundo está en juego. Estas fuerzas incontenibles chocan entre sí produciendo destellos de heroísmo y valentía. A cada segundo se escribe una nueva página de una epopeya marcada por el sacrificio, la fuerza de voluntad, y el poder del am-

No, ya basta, no puedo seguir. No les voy a mentir. Tentai Senshi Sunred es un completo fail de historia sobre superhéroes, una burla, una pesadilla. ¿Pero saben qué? Es jodidamente hilarante, es delirante, por momentos brillante, a veces absurda, extrañamente original, y tiene un nivel de AWESOME que supera los 9000.

Para mis lectores más “cortitos“, …si chicos, Tentai Senshi Sunred es una parodia.

Then, I lol'd.

Tentai Senshi Sunred (a.k.a. Astro Fighter Sunred) es una adaptación del manga del mismo nombre realizada por el estudio AIC ASTA. Cuenta con dos temporadas transmitidas entre el 2008-2009, cada una de 26 episodios, con una duración de 13 minutos por episodio.

Tentai Senshi Sunred (en adelante Sunred) es básicamente una parodia de un subgénero de superhéroes muy popular en Japón, pero que de una u otra forma todos -al menos- conocemos, los Super Sentai. Sé que ese nombre a varios no les dice nada. Ok, a mi tampoco. Pero a más de uno le van a brillar los ojitos si menciono a Ultraman, Kamen Rider, Metal Hero o los Fuckin’ Mighty Morphin’ Power Rangers. Jojo. Un héroe de este estilo se caracteriza por:

AWESOME · (vestimenta + armas fantabulosas + robot gigante+ poses “geniales” + sentido de la justicia). Es muy simple.

Rascándose el escroto como siempre.

¿Y nuestro Sunred? A decir verdad, es un puto vago. Se gasta toda la plata jugando al Pachinko, y la plata ni siquiera es suya. Es de su novia, quién lo mantiene, porque, de nuevo, Sunred es un puto vago y no le trabaja un día a nadie. Es que la verdad hoy en día nadie te paga por ser héroe, son malos tiempos. Pero no sólo eso. Además es violento, irascible, tiene poca paciencia, y tira basura en la calle.

Definitivamente no es un ejemplo de héroe. De hecho, difícilmente es un ejemplo de ser humano. (?)

Por otro lado, Florsheim. Ah, Vamp y sus secuaces. Hemos de suponer que son intrínsecamente malvados y anhelan la DOMINACION MUNDIAL, pero pagan la renta con anticipación y ceden el asiento a los ancianos en el transporte público, además de ser respetados y queridos miembros de su comunidad. Pero no olvidemos que son una organización dedicada al mal. Aunque Vamp sea mejor cocinero que líder de las fuerzas de la oscuridad, y realice segmentos de cocina fácil durante los episodios, o libere a un rehén para que no se pierda una clase, o entable una sana amistad con la novia de Sunred. Pero son malvados… claro.

De muestra un botón. Los individuos de la próxima imagen son los Animal Soldiers, una de las divisiones más letales de Florsheim. Continuamente asaltan a Sunred con la intención de hacerse con su cabeza, pero tienen un problema serio.

D'AWWWWW SO MOE I DIED (??)

Evidentemente la mayoría del factor comedia en Tentai Senshi Sunred proviene de esta inversión de roles entre quién debería ser el héroe y quienes deberían ser los villanos. Uno es un completo asno y los otros muy educados y normales. Pretty cool guys, if you ask me.

Para no agotar la fórmula, frecuentemente se van añadiendo nuevos personajes, cada uno con su propio toque. Además los episodios están divididos en varios pequeños segmentos, muy al estilo de Azumanga Daioh (por poner un ejemplo), a fin de mostrar también otros aspectos de la vida de nuestros protagonistas. Y de los no tan protagonistas también, como las reconvenciones de Vamp a Vyer-kun sobre las compras en el supermercado, las reuniones de la Sociedad Alada de Florsheim, etc etc. Destacan un par de segmentos con un humor muy absurdo. En otros segmentos hay una vibra muy a-la Seinfeld. Así que a quiénes les agrade la icónica comedia, Sunred les dará puntos extra de disfrute.

Estos dos se llevan de maravilla :3

No se gastó mucho dinero aquí, eso está claro. Pero sí que está bien usado. El estilo de dibujo es de líneas muy gruesas y una paleta de colores muy vivos, dándole un estilo bastante idóneo para una serie de superhéroes, y la animación no es la más fluida, lo que curiosamente sólo ayuda a amplificar el efecto cómico de algunas escenas. En resumen, el mero hecho de que esto es una comedia, hace al aspecto visual una parte algo más atrayente.

El soundtrack cumple su cometido como acompañamiento y es un complemente importante a la hora de darle cierta tonalidad a cada segmento. Son melodías bastante breves. Los OP’s son una mezcla de awesome, sinsentido y cursilería. Es de destacar el hecho de que uno de los recursos cómicos más utilizados es interrumpir súbitamente la música y darle mayor énfasis al gag usando el silencio de fondo. Funciona bastante bien.

Estos dos no tanto.

Como decirlo, Tentai Senshi Sunred es una parodia que explota un estilo bastante característico, mediante una estructura segmentada y a un ritmo bastante cómodo. Emplea una serie de mecánicas ya vistas antes (inversión de roles, absurdismo) pero con un toque muy especial, alejada de los clásicos géneros y tópicos del ecchi y el doble sentido. Personalmente, me he partido de risa.

En fin, junto a la incorrectísima Detroit Metal City, y la iluminada Sayonara Zetsubou Sensei, Tentai Senshi Sunred tiene su lugar ganado en mi corazón (<3) como una de las grandes comedias de la década recién pasada.

También tiene Engrish.

Hasta la próxima.

Those who cannot remember the past are condemned to repeat it.
~George Santayana

Aún recordándolo, muchos lo hacemos. Pero si se olvida el pasado, los errores que hemos cometido se repetirán una y otra vez. Incluso si tuviéramos la posibilidad de hacerlo todo de nuevo, si las agujas del reloj giraran frenéticamente en sentido contrario y despertáramos de nuevo en el momento propicio.

Esa es la conclusión más elemental con la que podemos definir a términos como “fracaso” y “derrota” como condiciones que no se pueden abandonar si se sigue culpando a las circunstancias, porque éstas se repiten una y otra vez. Si siguiéramos haciendo lo mismo bajo las mismas circunstancias, confirmaríamos la interpretación más cruel y estoica del tópico del eterno retorno. Que cuando todo vuelva a comenzar, todo acabará igual.

Un joven retraído, sueños deshechos, promesas sin cumplir. Pero cuando todo parece perdido, huyes a tu habitación y te encuentras de frente con la tenue luz de la esperanza. ¿Cuándo dejarás que te bañe aquella luz sin temor a que te abrase?

La oportunidad siempre está pendiendo frente a tus ojos.

Yo puse la misma cara al final del primer episodio D:

Yojouhan Shinwa Taikei, mejor conocido como The Tatami Galaxy, es probablemente el estreno más ignorado de esta temporada. Adaptación de la novela de Morimi Tomihiko, está dirigida por uno de los creadores más visionarios y únicos de los últimos años, me refiero al maestro Masaaki Yuasa (Cat Soup, Mind Game, Kaiba). A cargo de la animación está el más que competente estudio Madhouse y se transmite en el bloque lleno de awesomeness conocido como noitaminA.

Cuenta las venturas y desventuras de un estudiante anónimo durante sus tres primeros años en la Universidad, en una serie de clubes a los que ingresa; donde se encuentra a un conjunto de individuos un tanto extraños.

Dado que el protagonista sólo es referido como Watashi (Yo), sería más cómodo escribir en primera persona quizás. En fin, imaginen esta situación.

“Hasta este momento he sido un tipo bastante retraído, y he limitado mis interacciones sociales lo más que me ha sido posible. Pero el día de hoy un mundo nuevo se abre para mí. Este enorme campus es el lugar perfecto para comenzar de cero. Tendré grandes amistades, conoceré el amor y finalmente tendré en mis manos aquél preciado tesoro, una vida de campus color de rosa.

Esos eran mis pensamientos, hace dos años. Ahora mismo me encuentro en una situación patética, he desperdiciado mis dos primeros años de universidad en actividades extrañas y he perdido la chance de lograr mi anhelado deseo. Todo es culpa de este tipo, él me arrastró a esto. Todo es culpa suya.”

La trama se sostiene a través de la relación triangular entre el protagonista y otros dos entes importantes, que permiten dimensionar la estructura de pensamiento del protagonista. Sus extraños ideales, torcidos valores y muchísimos prejuicios, que una y otra vez entran en conflicto con la realidad y terminan llevando al protagonista por los derroteros más extremos.

HHHHNNNNGGGG-

Entonces, ¿es una promesa?

Primero está la dulce Akashi, quién aparece de forma esporádica y comparte un lejano aprecio mutuo con Watashi, pero mientras Akashi siempre espera que éste cumpla la promesa que le hizo hace un año atrás, él está demasiado ocupado en evitarse a sí mismo superar sus arrogantes ideas sobre el amor y las relaciones a través de inverosímiles planes a fin de alcanzar su supuesta y banal “vida de campus color de rosa”. Watashi es en este momento, sin dudas, un Sísifo, condenado a fallar una y otra vez, pero él se ve a sí mismo como un Ícaro temeroso, que no se atreve a acercarse al sol. Y es aquí donde entra Ozu.

El puto amo.

Estamos unidos por el hilo negro del destino >=D

Ozu es un tipo genial. Es genial porque, es probablemente el único personaje de la serie completamente honesto consigo mismo. Dueño de una apariencia casi diabólica, Ozu aparece en la vida de Watashi cuando éste llega a la conclusión de que no ha logrado forjar vínculos verdaderos con otras personas. Y a partir de allí, continuamente se dedica a intervenir en los actos del protagonista, llegando al punto en el cual éste último le culpa de todos sus problemas, ya que los métodos de Ozu son el engaño, el caos y el desastre. Pero creo que es injusto tratar a Ozu de simple ente maligno, y espero que quiénes se sientan motivados a echarle una mirada a The Tatami Galaxy, entenderán que la actitud de Ozu va mucho más allá de simplemente “echarle a perder la vida” a Watashi.

Y así va nuestro protagonista, club tras club, inmerso en situaciones que van desde lo patético y desolador hasta lo cómico. Arruinar las relaciones ajenas for the lulz, seguir las enseñanzas de un extraño maestro, “cariño” inesperado de parte de una ebria asistente de dentista (con masaje gingival erótico incluido), boob walls (WTF), una tapadera para un culto suicida, morir un par de veces. Y quién sabe que más espera ahí.

Pero a pesar de todo lo catastrófico que pueda sonar todo esto, no hay que perder las esperanzas. Nuestro amigo tendrá más de una oportunidad de enmendar el rumbo. Y vendrán una tras de otra, tras de otra, tras de otra, hasta que Borges le gane a Nietzsche y podamos escapar de esa habitación y compartir ese Castella con alguien de verdad especial.

Para el final, tomad el ED y bebed todos de él. Porque está muy bien.

["Kami-sama no Iu Tori" - Etsuko Yakushimaru]

Hasta la próxima :3.

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Lectura complementaria:

· anime|otaku hace una teorización sobre la posible existencia de 4 y 1/2 dimensiones paralelas en Tatami Galaxy. (para después del quinto episodio) (24/05/10) [Inglés]

· E Minor de Moe Sucks tiene una teoría jodidamente interesante: Watashi y Ozu son la misma persona. Eso convierte a Ozu en un Tyler Durden, fuck yeah. (para después del quinto episodio) (29/05/10) [Inglés]

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PD: No conozco de versiones decentes en español Tanoshii acaba de sacar el primer episodio, ’nuff said. La versión que sigo yo es la versión muxed de J-pwq. Ya van 8 de 11, por cierto.
PD2: El monólogo del protagonista es MUY rápido en los 2 primeros episodios. Por favor que eso no te haga perder el impulso/valentía/ganas de seguir viendo. He llegado a la conclusión de que la idea de Yuasa es precisamente que los dos primeros episodios queden fraccionados en tu cabeza. Pero tal vez no, lol.
PD3: El post está un poco críptico, pero viendo el primer episodio, todo cobra sentido.

The King has come!
To lighten up our feet
The King has come!
With justice till the end
The King has come!
To save us from the dark.

~ Reveal the World – Brenda Vaughn

En una nación que se encamina directo al abismo, la desesperación de un hombre que ha dado su vida por el renacer de su país ha convertido en realidad una idea tan descabellada como -por qué no decirlo- sádica. Doce personas, 10 billones de yenes para cada uno. ¿Qué hacer? El objetivo es simplemente “salvar el país”. Quién lo logre será el único sobreviviente.

Tras 11 episodios, finalmente uno de los doce ha dado un paso decisivo, y se ha convertido en un símbolo, en un estandarte, en un Rey. ¿Pero será esto suficiente?, ¿serán las acciones del nuevo Rey las correctas a fin de lograr su objetivo?.

Con la -al parecer- definitiva conclusión de Higashi no Eden que ha dado Paradise Lost, me parece interesante escribir sobre lo que es para servidor, lo que hace que Higashi no Eden no sea sólo otro anime de acción/misterio, como señalé escuetamente en el post anterior. Es un poco más que eso, y puede llegar a más.

Uno de los signos más importantes que definen a las dos últimas décadas que han pasado, es la llamada “muerte de las ideologías”. Durante las décadas anteriores se sucedieron grandes batallas de ideas, mil y una revoluciones, nuevas corrientes de pensamiento, escuelas políticas, etcétera etcétera.

Las generaciones de la post-guerra (nuestros padres y abuelos) fueron testigo de todas ellas, y asimismo asumieron posiciones en cada una. La antigua sociedad, y los viejos modelos de comunicación y las circunstancias personales les impulsaban a hacerlo. Eran las épocas de los “groupthink” y de la política que decía poner los ideales antes que el pragmatismo.

La generación posterior, la nuestra, se encuentra en el centro de una dicotomía interesante. Esta es una generación protegida, de eso no hay ninguna duda. Aquella matriz que nos asiste a cada uno de nosotros en nuestro ‘desarrollo’ al parecer crea cada vez individuos más eficientes. Pero al mismo tiempo, el debilitamiento de los medios e influencias tradicionales junto al florecimiento de los nuevos medios han generado individuos más solitarios tanto física, como en escalas de valores, objetivos de vida y concepto de éxito, por decirlo de algún modo.

La consecuencia de todos estos factores conduce al inicio de una fragmentación en las sociedades, lo cual ya se está observando en algunas naciones desarrolladas (Inglaterra, Japón). Las nuevas generaciones ya no sienten la necesidad y/o son incapaces de asumir los modelos y valores que son impuestos por la antigua generación. Algunos por vagos (a quienes a partir de este momento excluiremos de este texto, lol), y en otros casos porque carecen de redes y conexiones, ergo, se encuentran fuera de la dinámica social. Y éste conjunto de personas que cada día va en aumento es la que recibe denominaciones como generación boomerang, twixters, freeters, o NEETs.

Dentro de este concepto, Higashi no Eden es simple y llanamente un relato sobre un par de grupos de desplazados sociales. Son desplazados no por falta de potencial o educación. Han pasado por cada una de las etapas que el sistema nos provee. Pero su alejamiento de los modelos tradicionales de pensamiento y la creciente imposibilidad de optener un empleo estable los hace dudar de sus habilidades vocacionales, y en definitiva, de su propio valor como individuo.

Asimismo, la relación entre la pareja protagonista es una de quién guía y de quién necesita ser guiado. Por eso es que ambos protagonistas son igualmente importantes.

Saki Morimi es la proyección no sólo del grupo de personas que componen la startup Eden of the East, sino también de los 20.000 NEETs que desaparecieron de forma misteriosa, y no me voy a repetir porque la definición de su persona está escrita en párrafos anteriores. Es el estandarte de esa parte de nuestra generación paralizada por el temor al futuro, pero que a pesar de eso tratan de salir adelante con un sueño. Con una idea original que quizá pueda moldear la sociedad y lograr que su potencial sea apreciado. Las flores saliendo de la basura en el opening son un notable guiño.

Al otro lado de la acera, el repetido hasta la saciedad héroe amnésico, quién en un principio mantiene ocultas sus intenciones, hasta darse cuenta se su propio rol.

“En este país hay muchas personas inteligentes, pero nadie se atreve a asumir el liderazgo”. Akira Takizawa es quién decide guiar a todos esos jóvenes, porque cree y confía en ellos, tanto que llegó a sacrificar su memoria por ello. Y así es como todas las metáforas del Mesías cobran sentido. Para salvar el país, le dará aliento y esperanza a toda una generación, les dará las herramientas para que descubran que ellos también son valiosos, y sobretodo, les mostrará que si todos se esfuerzan en pos de un objetivo común, pueden cambiar el mundo.

Tal y como en esas antiguas cintas que Akira recordaba sin saber porqué. Películas sobre tipos que usaban balas y pistolas para alcanzar la libertar y crear su futuro.

BANG.

PD: Que descanse en paz, Jun Seba.

Primero que todo, estuve de viaje. Demándenme por dejar esto botado, please.

2009 es un año en el que estuve particularmente alejado de las contingencias del fandom, dramas y demases. Probablemente la comidilla del año en cualquier animeblog sea el famoso Endless Eight, dolor de cabeza para muchos e innovación y estandarte de una nueva forma de apreciar el medio, para los menos. Pero no voy a ocupar más líneas en aquello.

Soy amigo de las historias simples, los finales que no son tan finales y la profundidad disfrazada de superficialidad. Respecto a estas tres cosas, este año me he encontrado gratamente sorprendido, más por calidad que por cantidad. Este año tuvo series para todos los gustos y colores, así que nadie puede quejarse. Excepto los feligreses de /m/, lol. Eso sí, el 2010 viene grandioso para ellos.

En fin, no más cháchara. Mis 5 series del 2009, a continuación. (¿por que no hubo más de 5 series destacables? quizás) Demás está decir que verlas es altamente recomendable.

-o-

5.- Zan Sayonara Zetsubou Sensei

La tercera temporada de SZS es para mí, una vuelta a las raíces de la saga. En una oración, SZS es una mirada pesimista, más no alejada de la realidad, de una sociedad intrínsecamente autodestructiva a los ojos de un profesor con depresión endógena y un grupo de estudiantes que ni siquiera son personas, sino una representación de vicios, prejuicios y fetiches. Es humor negro disfrazado de slice-of-life.

Mientras que la segunda temporada (Zoku) se alejó de la asertiva crítica social y se convirtió más bien en un show de “ohhhh mira, es una referencia a X anime, esto es taaaan gracioso“, Zan vuelve -hasta cierto punto- a poner por delante una punzante crítica de lo cotidiano (concepto que me gustaría mucho expandir en una futura entrega :3), aderezado con el estilo artístico y direccional que se ha convertido en una marca registrada del estudio SHAFT.

Esto es más difícil de recomendar, dado que se necesitan dos temporadas previas y 3 OVAs. Por cierto, aquí pudo haber ido la secuela de Darker than Black perfectamente (y si, me encantó el final).

-o-

4.- Blue Literature/Aoi Bungaku Series

El Azul comúnmente está asociado a la inteligencia y la sabiduría, pero más que eso, el azul es el color de la melancolía, de lo lacónico. De hecho el mismo concepto de “Literatura Azul” implica un estilo narrativo que no va en busca de la belleza, y es cruel consigo mismo, ya que muchas veces la desgracia contada proviene de la misma desgracia de quién la cuenta.

Escribiendo sobre la serie en sí, son 6 adaptaciones de clásicos literarios japoneses, y su duración va entre los 2-4 episodios. Los temas son amplios (centrados en las relaciones humanas), y la narración es exquisita. Pero todas tienen un factor en común: son historias de desgracia, de traición y sobretodo, acerca de la pérdida de la humanidad.

Si lo bueno, breve, entonces dos veces bueno. No hay excusa para no echarle un vistazo. Algunos estudios pueden tener destellos y franquicias que rindan muy bien, pero Madhouse sigue siendo el Alfa y el Omega.

-o-

3.- Tokyo Magnitude 8.0

TM 8.0 es una bocanada de aire fresco. Una pequeña historia ambientada en un gran desastre. Concretamente un terremoto grado 8, y la historia es el regreso a casa de un par de hermanos.

Probablemente el mayor triunfo de Tokyo Magnitude 8.0 es hacer partícipe al espectador del desarrollo de Mirai, el personaje protagónico. Y eso en una serie centrada en los personajes, se agradece muchísimo.

Hablar de realismo en anime es difícil y se está propenso a cometer muchos errores, pero a lo largo de sus 11 episodios, al menos yo percibí un desarrollo bastante realista. Los episodios previos al último son, con toda seguridad, una de las secuencias más chocantes que me haya tocado ver. Creo que en si mismos, aquél par de episodios merecen la calificación de “obra maestra“.

TM 8.0 es un cuento a pequeña escala capaz de estremecer, hay que verlo, srsly.

-o-

2.- Eden of the East/Higashi no Eden

Una serie que se llevó todo el hype de su temporada, Higashi no Eden tiene muchos elementos “atractivos” para prácticamente todo tipo de audiencias, por lo que es muy fácil perder el foco al tratar de explicar en el fondo de qué se trata esto.

Tiene un protagonista masculino con un alto factor de coolness y una cierta ingenuidad que le va muy bien con su actitud. También hay una protagonista femenina que es aún más ingenua, e inocente hasta decir basta. Incluso tiene el pelo rosa y una bufandita (awww). Luego hay un grupo de frikis, y además otro montón de frikis (20.000 para ser más exactos) que están en bolas. Y se supone que el protagonista masculino participa en un macabro juego en el cual tiene una cierta cantidad de dinero que debe usar para “salvar el país” a través de peticiones en un teléfono móvil, y de no lograrlo está muerto. Oh, y también hay amnesia involucrada. Suena brutalmente absurdo, y genial.

Pero Higashi no Eden es un inmenso engaño. De los buenos (si es que los hay, y de haberlos, éste es uno). Lo que a primera vista parece una serie con visos de acción rodeada de muchos elementos atractivos para otakus que parecen estrellarse unos contra otros en una ensalada que no se decide de qué ser, esconde en realidad una historia con un valor grandísimo.

Higashi no Eden es una historia sobre la sociedad. Sobre un profundo conflicto generacional que está estancando a nuestras naciones. La porfiria y ambición desmedida de unos y la dejadez y desesperanza de otros están chocando y dejando una huella terrible. Higashi no Eden es una historia sobre pertenencia, sobre el exitismo, sobre oportunidades y especialmente, sobre empezar de nuevo.

Kamiyama descarga su ira sobre los estamentos de la sociedad, e invoca a la rebeldía, como en aquellas películas que referencia en algunos pasajes de la serie. De tipos que creaban su propio futuro, y se liberaban de sus ataduras.

Sin esto, Higashi no Eden sólo sería otro animu de acción/misterio. Y que bueno que no sea así.

-o-

1.- Kuchu Buranko/Trapeze

No es arriesgado pensar que la psicología moderna alcanzó al sentido común, y ha llegado a la conclusión de que prácticamente todos nosotros tenemos, en mayor o menor grado, algún tipo de condición mental. Incluso en pequeñísimos detalles. Por ejemplo, yo soy un tanto obsesivo con la ortografía.

La cosa es que en cierta medida, estamos todos un poco locos. Pero por suerte, tenemos gente como el Dr. Irabu, que no arranca el problema como quién desmaleza, sólo para que luego vuelva a crecer. Un tratamiento que involucra un cambio en el estilo de vida, enfrentar y adaptarnos a la dificultad, pero jamás reprimir. Y esto se puede apreciar en cada uno de los episodios.

Al final, complementando lo que ya he escrito al respecto, Kuchu Buranko es una serie que deja con una exquisita sensación de bienestar, no sólo por ser un producto elegantísimo en su presentación y acertado en su escritura, sino porque finalmente logra englobar todos esos problemas, todas esas sensaciones, todas esas relaciones, y todos esos sentimientos en una frase: Nadie es perfecto.

Atreverse a ser diferente es algo que ya no es tan asombroso como lo fue alguna vez. Pero Kuchu Buranko va mucho más allá de un estilo. Se desprende de elementos que pareciera que no pueden faltar en un anime y realmente trata de ser innovador también temáticamente.

Trapeze es, a juicio personal, lo mejor de 2009.

FUCK YEAH.
.-

PD: Dato curioso. 3 de las 5 series aquí listadas fueron transmitidas en el mismo bloque televisivo. Jueves de 00:45 to 1:15 en FujiTV, mejor conocido como noitaminA.
PD2: [troll] Bakemonogatari es mediocre. [/troll]
PD3: Feliz Año Nuevo y tal.

“Attending to symptoms, we lose our purpose.”

Shoma Morita, M.D.

Luces muy mal, ¿eh?. Muy desaliñado, muy perturbado, muy inestable. Hay algo en tu vida que te incomoda profundamente, pero probablemente no te darás cuenta hasta presentar un agudo síntoma de aquello. Después, algún colega, familiar o amigo te dirá “deberías hacerte ver por un médico”. Arrastrando los pies sigues la indicación que te da alguien hacia la consulta de un “doctor de neurología”. Es que “psiquiatra” te hace ver como un loco, ¿no?. Imagínate lo que pensaría la gente de ti.

La consulta está en el subterráneo del hospital, cosa rara para tratarse de un profesional sobre el cual circulan tantos rumores. Abres la puerta y entras a una habitación… extravagante. Increíblemente extravagante.

Una… ¿persona? te da la bienvenida. Espera. No me digas que eso es el doctor…

“Irabu Ichiro. A tu servicio ^^.”

Kuchu Buranko (Trapeze), serie de animación estrenada hace exactamente 3 semanas, narra las venturas de Irabu Ichiro, un psiquiatra muy extraño, y un variado elenco de pacientes a los cuales somete a su inusual tratamiento. Lo primero que llamará la atención de quién se atreva a poner sus ojos en esta obra es la marcada excentricidad visual. Kuchu Buranko destila psicodelia por todos lados. Las screenshots a lo largo del post servirán de testimonio, y pasaré a abordar el tema del post en cuestión.

Los pacientes que acuden a la consulta de Irabu suelen presentar un síntoma concreto, el cual es la causa de su visita. Desde el momento en que ingresan a la oficina de Irabu, las sorpresas para éstos se suceden una tras otra. Tras el desconcierto inicial, el doctor procede a recetar una inyección, la cual es aplicada al instante por su asistente Mayumi, teh uber hot nurse. La única enfermera que traspasa la barrera dimensional en 5 segundos y tiene una pésima técnica para dar inyecciones. Pero a quién le importa el dolor si al mismo tiempo te está mostrando el escote ;3. Y todo esto… ¿para qué?. Fetichismo. El de Irabu son las inyecciones, lol. Una vez satisfecho, el doctor inicia su magia.

La metodología de Irabu Ichiro parece cimentarse bajo dos preceptos. El primero de ellos, aceptar los síntomas, sensaciones y sentimientos; sin intentar ir en contra de ellos. La segunda piedra angular de su tratamiento supone una desviación del tratamiento médico común.

En vez de atacar los síntomas del desorden, Irabu los ignora completamente, y en vez de dar consejo (cosa que considera inútil) sugiere en el paciente la ocurrencia de ciertas situaciones a fin de que el mismo paciente vaya en cierta forma, conduciento su tratamiento. Esto sumado a una inmersión en la vida del paciente (básicamente pasando mucho tiempo con él), genera en éste un desenlace favorable al aceptar el obstáculo que le impide seguir adelante, y en conclusión, la disposición mental para iniciar un proceso de recuperación de parte del mismo paciente. Sin embargo, suele suceder que antes de aquello, y claramente al servicio de la comedia, el pobre cliente suele empeorar bastante su estado, llevando a situaciones tan inverosímiles como disparatadas.

Detalles muy interesantes a la hora de comentar Kuchu Buranko son las fuentes a partir de las que se modela el método de Irabu. Mientras que los puntos mencionados en los párrafos anteriores sugieren una fuerte influencia del trabajo del Dr. Shoma Morita, se puede observar a la vez una posible reminiscencia del psicoanálisis de Sigmund Freud y su división de la psique en tres entes reguladores (Ello, Yo y Superyo).

Este concepto clásico se personifica en el mismo Irabu Ichiro, quién a lo largo de los episodios va cambiando de apariencia dependiendo de la situación en la cual se encuentra el paciente (sin que este lo note), para dar un “consejo” acorde. Como ya lo habrán pensado, la primera imagen [->] muestra a la trinidad. De izquierda a derecha (y a falta de mejores denominaciones) Irabu-niño, Irabu-oso e Irabu-joven-afeminado. Tomando en cuenta la personalidad de estas tres entidades, lo reservado y taciturno de Irabu-niño lo hacen más adecuado para interpretar el papel del Superyo, mientras que lo risueño y despreocupado de Irabu-oso -sin mencionar su fetiche- sin lugar a dudas le asigna el papel del volátil Ello. Con lo que nos queda Irabu-joven realizando el rol del Yo, al ser de una personalidad más balanceada entre los tres.

Kuchu Buranko está plagada de pequeños detalles de interés (y no son “referencias“). Simbología animal, apariciones esporádicas de un personaje explicando términos médicos, y quién sabe que más habrá.

Sin temor a equivocarme, este particular estreno aparece en mi horizonte no sólo como el salvador de esta temporada, sino también como una propuesta atrevida y delirante. Pero más importante que eso, a pesar de su extravagancia visual, Kuchu Buranko está muy lejos de ser un cascarón vacío.

Los dejo con un par de cosillas de poca importancia.

· Video Promocional
· Opening [Upside Down]
· Ending [Shangri-La (Y.Sunahara 2009 Remodel)]

Dew.

PD: Van sólo 2 episodios. Pero bueh, tenía ganas de escribir sobre esto. Que yo sepa no hay fansub en español que esté trabajando en esta serie, lamentablemente. Si convencí a alguien para verla, sólo queda tirar de gg. Y eso es como caminar en la cuerda floja.

“Pero, sin importar lo mucho que se parezcan a mí, por dentro somos completamente distintos. Somos parecidos, pero en el interior somos diferentes. Así que varias veces esto me suele pasar por la mente… ¿qué es lo que piensas sobre mí?“

~Akiko, act:01

En el futuro, probablemente en Japón.
Los robots ya son utilizados desde hace un largo tiempo,
y el uso práctico de androides ha comenzado recientemente.

La introducción de androides a la vida diaria ha supuesto más de un inconveniente para algunos sectores de la sociedad. Casos de gente que simpatiza de manera excesiva con ellos (debido a su apariencia muy similar a la de los seres humanos) son tildados como un “problema para la sociedad”. La renovación que ha supuesto la nueva tecnología ha sacudido el mercado laboral y la aparición de agrupaciones que abogan por una “regulación” respecto al uso de los androides han generado un denso clima de efervescencia social.

Rikuo es un joven bastante normal que asiste a la secundaria. Tiene padres que trabajan hasta tarde, y una hermana un poco fastidiosa. Por lo tanto, quién se encarga de las labores del hogar, es un autómata, un androide. Como es natural, los androides tienen un horario de actividades a cumplir cada día de acuerdo a como han sido programados por sus dueños. Pero un día, Rikuo se percata de ciertas irregularidades en el itinerario del androide, por lo que decide revisar el registro. Entre la información, Rikuo encuentra un extraño mensaje:

** Are you enjoying the time of EVE ? **

Eve no Jikan (The Time of Eve) es la obra más reciente del Studio Rikka, responsable de varios cortometrajes, los más conocidos siendo Mizu no Kotoba (Aquatic Language) y Pale Cocoon. Al igual que los dos cortometrajes anteriores, el título de mente maestra en Eve no Jikan reside en el joven director, Yasuhiro Yoshiura. (Un tipo que probablemente dará mucho que hablar en unos cuantos años más)

Eve no Jikan es una ONA, siglas para Original Net Animation. Consta de 6 episodios de aproximadamente 15 minutos cada uno, y su distribución se realiza a través de sitios de streaming, como Crunchyroll y Yahoo Streaming Japón (GyaO!). El primer episodio se emitió el 1 de Agosto de 2008, el último vió la luz el 18 de Septiembre recién pasado.

La obra se ambienta, como ya está descrito en párrafos anteriores, en un futuro “cercano”, en el cual los androides han empezado a ser utilizados en la vida diaria, realizando desde trabajos en fábricas hasta las labores del hogar. Los androides son en apariencia idénticos a los seres humanos, excepto por una especie de halo que flota sobre sus cabezas. Obviamente, carecen de voluntad y razonamiento propio. Después de todo, son sólo herramientas.

Tras ver el mensaje en el registro de su androide, Rikuo decide visitar las coordenadas que indican el lugar dónde estuvo su androide, junto a Masaki, un compañero de escuela. Al llegar al lugar, un androide se cruza en su camino e ingresa al local. Al entrar, encuentran un misterioso café, precisamente llamado “Eve no Jikan“, en el cual existe una aún más misteriosa “norma“:

“No discriminación entre humanos y robots”.

En el café, Rikuo encuentra a varios individuos, la mayoría de ellos clientes habituales. Y es aquí donde empiezan a surgir las preguntas. El androide que ingresó antes que ellos ya no tiene el halo. Entonces… si todos están siguiendo la norma, ¿cómo se puede distinguir entre androides y humanos en aquél lugar?, ¿por qué su androide ha desviado su camino y llegado hasta aquí?, ¿acaso lo ha hecho por “propia voluntad”?. La pregunta de fondo es la primera, que en palabras más simples, es un “quién es quién“.

En un principio la respuesta parece bastante simple, pero a medida que Rikuo y Masaki comienzan a conocer a los clientes y sus historias, la línea que separa a ‘los unos de los otros’ se vuelve peligrosamente borrosa. Lentamente, Rikuo comienza a formar parte de esta extraña situación.

Y algo comienza a suceder en su entorno. No se sabe lo que es, pero se puede percibir. Los casos de personas con empatía hacia los androides (“android-holics”, los llaman) aumentan y comienzan a aparecer “zonas grises“, lugares que violan las leyes respecto de los androides. En una sociedad que se ha automatizado, ¿son los androides quiénes se están volviendo cada vez más humanos, o son los humanos los que se están conviertiendo en androides?

Claramente, el desarrollo de los personajes corre más que nada por cuenta de los dos protagonistas. Rikuo y Masaki, desde un comienzo tienen posiciones diferentes. Al ir avanzando los capítulos, irán conociendo diferentes realidades que van a probar la fuerza de sus convicciones. Los cambios en la forma de pensar de ambos protagonistas constituyen una piedra angular del relato, sobre la cual se van construyendo el resto de historias de los clientes del café, con algunos momentos tensos y dramáticos, pero también con momentos graciosos, con un humor muy ingenuo y accesible.

Técnicamente, Eve no Jikan es un relato asombroso, respaldado por una calidad de animación muy sólida. Quiénes conozcan el trabajo de Makoto Shinkai se sentirán bastante familiarizados con el estilo que cultiva Yoshiura y el Studio Rikka en cada una de sus creaciones.

Fondos muy trabajados, decorados con una iluminación prodigiosa y diseños de personajes simples, pero efectivos. Otro detalle único en la animación es el estilo en el cual la acción se desenvuelve. Es una especie de “cámara de mano“, que le da a cada una de las escenas un enfoque muy “casual” y particular, haciendo más creíble la obra. Pensar que todo eso está hecho por un puñado de tipos geniales, es algo que da escalofríos.

El apartado musical es limitado en cuanto a cantidad, más no respecto a la calidad. Se aleja de las tonadas clásicas del Sci-Fi, y es un trabajo muy delicado y preciso. Es el acompañamiento perfecto para una obra muy fuerte que se oculta tras la máscara de la liviandad.

Explicar en qué consiste Eve no Jikan en menos de *revisa el contador* 1135 palabras me hubiera resultado imposible. Como la mayoría de expresiones que gustan de recibir el elogio de ser “inteligentes“, Eve no Jikan trae consigo más preguntas que respuestas. El tema de la relación humano/robot es un tema muy utilizado, pero Eve no Jikan lo trata desde un punto de vista único. Una dicotomía entre el interior y el exterior. Una dicotomía entre lo humano y lo no-humano.

Eve no Jikan brilla con luz propia como una de las obras más originales de los últimos años, o -porque no decirlo- de la década.

Puedes verla aquí: (son sólo dos horas :3)
Time of Eve (Crunchyroll)

Adiós :3.

PD: Definitivamente este no será el único post que escriba acerca de esto. No me culpen por ser un fanboy de Rikka u_u.
PD2: Que en paz descanse, Yoshito Usui. Una lástima.